ネクストステージ表現

パフォーマンス空間を拡張するVR/AR技術：没入体験と身体表現の進化

パフォーマンス空間を拡張するVR/AR技術：没入体験と身体表現の進化

ライブパフォーマンスにおいて、空間は極めて重要な要素です。舞台装置、照明、音響、そしてパフォーマーの身体が織りなす空間は、観客の知覚に直接働きかけ、作品世界への没入感を深めます。近年、デジタル技術の進化は、この「空間」そのものの可能性を大きく拡張しています。中でも、VR（仮想現実）とAR（拡張現実）といったXR（クロスリアリティ）技術は、物理的な劇場の枠を超えた新しいパフォーマンス空間の創造を可能にし、身体表現に革新をもたらす可能性を秘めています。

この記事では、ライブパフォーマンスにおけるVR/AR技術の活用に焦点を当て、それが観客体験やパフォーマーの表現をどのように進化させているのか、具体的な事例を交えながらご紹介いたします。また、これからVR/AR技術を自身の表現に取り入れてみたいと考える方に向けて、技術の基本から導入のヒントまでを解説します。

VR/AR技術の基本とパフォーマンスへの応用

まず、VRとARがライブパフォーマンスにどのように関わるのか、それぞれの技術の基本から見ていきましょう。

• VR（Virtual Reality：仮想現実） VRは、専用のヘッドマウントディスプレイ（HMD）などを装着することで、完全にコンピュータが生成した仮想空間に入り込む技術です。視覚だけでなく、聴覚や触覚などを通じて、あたかもその場にいるかのような強い没入感を得られます。ライブパフォーマンスにおいては、観客が自宅など物理的に離れた場所から、あたかも劇場にいるかのような体験をしたり、現実には存在しない非日常的な仮想空間内で繰り広げられるパフォーマンスを鑑賞したりといった形で活用が考えられます。パフォーマー自身がVR空間内でパフォーマンスを行う事例も見られます。

• AR（Augmented Reality：拡張現実） ARは、現実世界にデジタルの情報を重ね合わせる技術です。スマートフォンのカメラ越しに仮想のキャラクターが現れるアプリなどが身近な例です。ライブパフォーマンスにおいては、実際の劇場空間にプロジェクションマッピングとは異なる形でデジタル映像や情報を重ね合わせたり、観客自身のデバイスを通じて舞台上に仮想のオブジェクトやエフェクトを表示させたりすることが可能です。物理的な空間を基盤としつつ、そこにデジタルのレイヤーを加えることで、現実を「拡張」した表現を生み出します。

これらの技術は、単に映像を見せるだけでなく、センサー技術やリアルタイムレンダリングと組み合わせることで、パフォーマーの動きや観客のインタラクションに反応する動的な空間演出や、パフォーマー自身の身体にデジタルな装飾やエフェクトをリアルタイムに付与するなど、多岐にわたる応用が可能です。

パフォーマンスにおけるVR/AR活用事例

VR/AR技術は、ライブパフォーマンスにおいて様々な形でその可能性を発揮しています。ここでは、観客体験とパフォーマーの表現、双方の側面からの活用事例をご紹介します。

観客体験の拡張：劇場を越えた没入体験

VR技術は、地理的な制約や物理的な劇場のサイズを超えて、より多くの観客に没入感のある体験を提供することを可能にします。

• VRを用いたオンライン配信・鑑賞: 高性能なVRカメラでパフォーマンスを撮影し、VR配信プラットフォームを通じて提供する試みが行われています。観客は自宅のVRヘッドセットを装着することで、あたかも特等席から観ているような臨場感や、通常の配信では難しい特定のパフォーマーに注目するといった自由な視点での鑑賞が可能になります。単に映像を流すだけでなく、VR空間内に仮想の観客席を設け、他の観客のアバターと共に体験するといったソーシャルVR的な要素を取り入れる事例も見られます。

• ARによる劇場体験の強化: 現実の劇場空間で、観客が自身のスマートフォンやタブレットを通じてAR体験を付加する試みも始まっています。例えば、舞台上にARで表示される情報（作品解説、パフォーマー情報など）を確認したり、特定の場所にデバイスを向けると仮想のキャラクターやエフェクトが出現したりといった演出です。物理空間の体験を損なうことなく、デジタルな情報を重ね合わせることで、作品への理解を深めたり、ゲーム的なインタラクションを加えたりすることが可能になります。

パフォーマーの表現拡張：身体とデジタルの融合

VR/AR技術は、パフォーマー自身の身体表現や、パフォーマーが扱う空間そのものを拡張する手段としても活用されています。

• ARを用いた身体・衣装への視覚効果付与: パフォーマーの身体や衣装にマーカーを設置したり、コンピュータビジョン技術を活用したりすることで、リアルタイムにARエフェクトを重ね合わせる演出があります。例えば、ダンサーの腕の動きに合わせて光の軌跡が現れたり、衣装のデザインが動的に変化したりといった表現です。これは、身体そのものをデジタルキャンバスとして扱い、視覚的なインパクトを強化する手法と言えます。

• VR空間での創作・パフォーマンス: アーティストの中には、VR空間そのものを創作の場とする人々もいます。VRペイントツールを用いて仮想空間に巨大なアート作品を制作し、その中でパフォーマンスを行ったり、物理的な制約にとらわれずに空中や壁面を移動するような身体表現を追求したりします。仮想空間内での創作は、現実世界では不可能なスケールや表現の自由度をもたらします。

• VR/ARを用いたインタラクティブ演出: パフォーマーの動きや位置情報をトラッキングし、それをVR/AR空間内のオブジェクトやエフェクトに反映させるインタラクティブな演出も可能です。例えば、パフォーマーの手の動きに合わせて仮想の炎が現れ、それが空間に影響を与えたり、観客の立ち位置によってARで見えるものが変化したりといった仕掛けが考えられます。これにより、パフォーマーと観客、そしてデジタルの要素が相互に影響し合う、よりダイナミックなパフォーマンスが生まれます。

VR/AR技術導入の課題とヒント

魅力的なVR/AR技術ですが、ライブパフォーマンスへの導入にはいくつかの課題が存在します。ここでは、それらの課題と、これから技術を取り入れてみたいと考える方へのヒントをご紹介します。

課題

• コスト: 高性能なVRヘッドセット、ARグラス、トラッキングシステム、そしてそれらを動かすパワフルなコンピュータや専門的なソフトウェアは、依然として高価です。コンテンツ開発にも専門知識が必要なため、開発費用も考慮する必要があります。
• 技術スキル: VR/ARコンテンツの開発やシステム構築には、3Dモデリング、プログラミング（UnityやUnreal Engineなど）、センサー技術に関する専門知識が求められます。技術に馴染みのないパフォーマーにとって、学習コストや技術者との連携の難しさがハードルとなります。
• 観客体験の質: 特にVRを用いた鑑賞の場合、VR酔いを起こしやすい、デバイスの装着に抵抗がある、複数人が同時に同じ体験を共有しにくい（同期の問題）といった課題があります。ARの場合も、デバイスの種類による表示の違いや、現実空間での安全性への配慮が必要です。
• パフォーマンスとの融合: 技術を導入すること自体が目的になってしまい、表現として消化しきれないケースや、技術的な問題が本番中に発生するリスクも考慮しなければなりません。身体表現との自然な融合、演出意図と技術の調和が重要です。

導入のヒント

• 小さな一歩から始める: いきなり大規模なVR空間でのパフォーマンスを目指すのではなく、まずはスマートフォンARアプリの活用や、比較的安価なVRゴーグルを用いた簡単な体験から始めるのが現実的です。既存のツールやプラットフォームを利用することで、技術開発の負担を減らすことができます。
• 初心者向けツール・リソースの活用: VR/ARコンテンツ開発にはUnityやUnreal Engineがよく使われますが、これらは学習コストが高い側面もあります。Spark AR（Instagram/Facebook向けARフィルター開発）など、より手軽に始められるツールや、オンラインチュートリアル、ワークショップなどを活用することも有効です。
• 技術者との連携: パフォーマー自身が全ての技術を習得するのは難しい場合が多いです。自身の表現のビジョンを明確に持ち、それを実現できる技術者を探し、協力して作品を創り上げる連携体制が重要になります。大学の研究室、技術系コミュニティ、デジタルアートに特化した制作会社などにアプローチしてみるのも良いでしょう。
• 補助金・助成金の活用: デジタル技術を用いた新しい表現に対する文化芸術系の補助金や助成金も存在します。情報収集を行い、活用を検討することで、コストの課題を軽減できる可能性があります。

まとめ：VR/ARが拓くライブパフォーマンスの未来

VR/AR技術は、ライブパフォーマンスの空間表現と観客体験、そしてパフォーマーの身体表現に新たな次元をもたらす可能性を秘めています。物理的な劇場空間を拡張し、仮想空間での創作や鑑賞を可能にし、身体とデジタルの境界線を曖昧にすることで、これまでにない没入感と表現の自由度を生み出しています。

技術導入にはコストやスキルといった課題はありますが、段階的に取り組み、技術者との協力体制を築くことで、自身の表現の幅を大きく広げることができるでしょう。これからVR/AR技術はさらに進化し、より手軽に、より多様な表現が可能になっていくと考えられます。

デジタル技術を恐れるのではなく、自身の身体性や表現の哲学とどのように融合させられるかを探求することで、ネクストステージのライブパフォーマンス創造へと繋がるはずです。まずは情報収集から始め、可能性に触れてみることをお勧めします。